Este trabajo fue muy enrriquecedor para mi ya que apendi una manera de ver las cosas totalmente diferente, aprendi a ver el arte con otros ojos, con mas profundidad y admiracion hacia ciertos artistas.
Ademas aprender sobre el historia del arte, ademas de formarse uno como persona con conocimientos generales , sirvio mucho para no sentir ignorancia al ver un cuadro como de Van Gogh, Picasso, Kandisky, entre otros grandes artistas.
Fue una gran experiencia y espero que me hayan acompañado en esta misma con mucha predispocision.
lunes, 23 de abril de 2012
NEOEXPRESIONISMO y opinion personal
¿CUANDO? ¿QUE?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años 80´ en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los 60´. Este se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
¿COMO?
- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años 80´ en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los 60´. Este se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
¿COMO?
- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
- Ejecución de trazos amplios.
- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
- Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).
¿QUIEN?
Georg Baselitz (1938), Ansel Kiefer (1945), Markus Lüpertz (1941), A. R. Penck (Ralf Winkler; 1939), Jörg Immendorff (1945).
Rainer Fetting (1949), Helmut Middendorff (1953), Salomé (1954) y Bernd Koberling (1938).
Hans-Peter Adamski (1947), Peter Bömmels (1951), Walter Dahn (1954), Jiri Georg Dokoupil (1954).
A pesar del que el neoexpresionismo es un movimiento principalmente alemán, existen artistas en otros paises europeos cuya obra puede incluirse dentro de esta corriente.
OBRA REPRESENTATIVA:
BIBLIOGRAFIA: http://www.monografias.com/ http://www.wikipedia.com/
Georg Baselitz, Adieu, 17.III.82 (1982)
OPINION PERSONAL: Este no es un movimiento que me guste mucho ya que me cuesta interpretar aquello que se representa, pero por otro lado no me agrada mucho la tecnica, se demuestran en las obras neoexpresionistas simplicidad y no mucha elaboracion, aunque destaco el uso de colores vivos, por ese lado es muy llamativo, imagino en un museo un cuadro perteneciente a este movimiento seria uno de los que primero llamaria la atencion.
martes, 17 de abril de 2012
HIPERREALISMO y opinion personal
Situación en el tiempo:
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Características:
opinión personal:
El movimiento me gusta, algunas de las obras sean fotografías o que el mismo artista intente hacerla lo mas fotografica posible me agrada mucho, tambien el hecho de que presenten la realidad de una forma diferente. me parece muy divertido y muy interesante.
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Características:
- los temas utilizados son paisajes urbanos, fachadas de tiendas, retratos, animales, detalles diversos, bodegones, cuerpo humano, paisajes.
- su técnica es la cámara fotográfica como elemento para obtener la imágen
- habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.
- Se emplea la cámara fotográfica como elemento para obtener la imagen de lo que se va a representar sobre todo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición seria muy prolongado.
- Es necesario una habilidad técnica para que el acabado parezca una fotografía.
- Los artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color.
- Otro de los rasgos identificativos es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, siendo este detalle, de hecho, uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista.
- otra característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
- El Hiperrealismo hace énfasis en la plasmación de la realidad, tal y como se vería en una fotografía. Para esto, se utilizan medios como la proyección o retícula, con el fin de transferir imágenes fotográficas al lienzo, o simplemente guiarse para la forma escultórica.
- Características de la técnica hiperrealista son la aplicación de color “real” y la utilización de materiales como pintura acrílica, latex y resinas sintéticas
opinión personal:
El movimiento me gusta, algunas de las obras sean fotografías o que el mismo artista intente hacerla lo mas fotografica posible me agrada mucho, tambien el hecho de que presenten la realidad de una forma diferente. me parece muy divertido y muy interesante.
ARTE POP y opinion personal
Situación en el tiempo: 1950
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Caracteristicas:
opinion personal: Este movimiento es el que mas me gusta, por la utilizacion de los colores fuertes y llamativos, pero mas que nada por lo que se representa.El tema de la modernidad y la representacion de grandes artistas como marilyn monroe, michael jakson, jhon lennon, entre otros.. me gusta mucho. Tambien demuestra el consumismo como imagenes de coca-cola, comics, diferentes productos que muestra una realidad de el hombre consumidor.
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Caracteristicas:
- se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación
- se usa a menudo la ironía
- las obras son incongruentes,es decir, de difícil comprensión
- el concepto de arte pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen
- Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.
- Andy Warhol fue el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato. En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.
- El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de público, como las ya mencionadas latas de sopa, o los botellines de Coca-Cola, se convirtieron en uno de los rasgos más interesantes y constantes de toda su producción.
- Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastada, pero en todo caso vivo y brillante; así como por la temática, que siempre resultaba provocadora y a menudo angustiosa. Marilyn, una de sus obras más conocidas
- utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.
opinion personal: Este movimiento es el que mas me gusta, por la utilizacion de los colores fuertes y llamativos, pero mas que nada por lo que se representa.El tema de la modernidad y la representacion de grandes artistas como marilyn monroe, michael jakson, jhon lennon, entre otros.. me gusta mucho. Tambien demuestra el consumismo como imagenes de coca-cola, comics, diferentes productos que muestra una realidad de el hombre consumidor.
OP ART / ARTE OPTICO y opinion personal
Situación en el tiempo: 1958 SXX
El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
Características:
El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
Características:
- evolución matemática del arte abstracto
- se usa la repetición de formas simples
- los colores crean efectos vibrantes
- gran efecto de profundidad
- confusión entre fondo y primer plano
- hábil uso de luces y sombras el resultado es un espacio tridimensional que se mueve
- aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo
- en la retina se sienten vibraciones, antibajos, formas que emergen y retrotraen
- Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
martes, 10 de abril de 2012
SURREALISMO y opinion personal
¿CUANDO? ¿QUE?
El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
¿COMO?
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
Se utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.
El inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas .
El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. La tematica es la animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu.
¿QUIEN?
Joan Miró Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux .
obra representativa: En la tela aparecen ya elementos que se repetiran despues en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasion, pero tambien a de la elevacion, los animales, y sobre todo los incectos que siempre le han interesado mucho. la esfera oscura que aparece a la derecha es una presentacion del globo terráqueo pues entonces le obsecionaba ya una idea: "tengo que conquistar el mundo!" el gato, que lo tenia siempre junto a mi cuando pintaba. el triangulo negro que aparece en la ventana representa la torre eiffel. trataba de profundizar el lado magico de las cosas. por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior. durante ese año frecuentó mucho la companía de poetas por que pensaba que era necesario ir mas alla del "hecho plástico para alcanzar la poesía".
opinion personal: el surrealismo es un movimiento donde se refleja y entiende el mensaje o en qué estaba pensando el artista cuando pintaba sus obras, creo que ese es el objetivo de todo artista, que sus obras lleguen al observador, asique si me gusta.
BIBLIOGRAFIA:
http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
"el carnaval del arlequín" Joan miró
El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
¿COMO?
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
Se utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.
El inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas (azar objetivo), en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas .
El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. La tematica es la animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu.
¿QUIEN?
Joan Miró Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux .
obra representativa: En la tela aparecen ya elementos que se repetiran despues en otras obras: la escalera que es la de la huída y la evasion, pero tambien a de la elevacion, los animales, y sobre todo los incectos que siempre le han interesado mucho. la esfera oscura que aparece a la derecha es una presentacion del globo terráqueo pues entonces le obsecionaba ya una idea: "tengo que conquistar el mundo!" el gato, que lo tenia siempre junto a mi cuando pintaba. el triangulo negro que aparece en la ventana representa la torre eiffel. trataba de profundizar el lado magico de las cosas. por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior. durante ese año frecuentó mucho la companía de poetas por que pensaba que era necesario ir mas alla del "hecho plástico para alcanzar la poesía".
opinion personal: el surrealismo es un movimiento donde se refleja y entiende el mensaje o en qué estaba pensando el artista cuando pintaba sus obras, creo que ese es el objetivo de todo artista, que sus obras lleguen al observador, asique si me gusta.
BIBLIOGRAFIA:
http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
"el carnaval del arlequín" Joan miró
DADAISMO y opinion personal
¿CUANDO?
El Dadaísmo fue un movimiento artístico surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del Dadaísmo. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras.¿QUIEN?
Artistas reconocidos de este movimiento fueron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mismo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá.
La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.
¿QUE?
El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio Dadaísmo.
El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes:
«No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
¿COMO?
El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.
El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage viene del Dadaísmo.
OBRA REPRESENTATIVA:
opinion personal: este movimiento es muy complejo y raro para mi. No lo llego a entender con totalidad, no me llega el mensaje ni lo que se quiere expresar. Por esta razon no es de mi agrado, pero la idea de realizar fotomontaje con varias imagenes es interesante y diferente.
BIBLIOGRAFIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo
ARTE ABSTRACTO y opinion personal
¿QUE?
Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.
El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.
¿COMO?
Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
¿CUANDO?
El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.
¿QUIEN?
Paul Klee, (1879-1940).
Piet Mondrian, (1872-1944).
Theo Van Doesburg, (1883-1931)
Mercedes Pardo, (1922-2005).
Vladímir Tatlin, (1885.1953)
Aleksandr Ródchenko, (1891-1956)
Kazimir Malévich, (1878-1935)
Frank Stella, (1936).
Esteban Castillo, (1941).
Georg Baselitz, (1938).
Sigmar Polke, (1941).
Anselm Kiefer, (1945).
Pedro Sandoval, (1966).
Hans Hartung, (1904-1989).
Jean Fautrier, (1897-1964).
Georges Mathieu, (1922).
Alberto Burri, (1915).
Antonio Saura, (1930).
Pablo Serrano, (1908-1985).
Luigi Veronesi, (1908-1998).
Arshile Gorky, (1904-1948).
Franz Kline, (1910-1962).
Jackson Pollock, (1912-1956).
Mark Rothko, (1903-1970).
Héctor Poleo, (1918).
Gustavo Arias Murueta, (1927).
Podría decirse que Kandinsky fue el inventor, el creador, el primero en pintar un cuadro totalmente abstracto, estilo poco comprendido y que tantos enemigos tiene. Pero más allá de juzgar su pintura, más allá de las polémicas que siempre se suscitan con el arte abstracto, con sus detractores a ultranza de un lado y los fieles e incondicionales admiradores del otro, más allá de estos desencuentros, donde él mismo diría que no todo el arte abstracto es bueno, al igual que no lo es todo el arte figurativo si éste no nace de una "necesidad interior", está su vida, una vida llena de viajes, estudios, encuentros, prolífica inspiración, una vida que rezuma honradez, gusto por el trabajo bien hecho y un afán de pedagogía (véase su obra escrita) que merece, sin duda alguna, nuestra atención. Podrá no gustarnos su obra, pero conociendo al personaje y sus ideas quizás empecemos a mirar, a ver este arte con otros ojos, con otra emoción, con otra sensibilidad.
Este artista me parece muy talentoso, su trabajo me agrada mucho creo yo que es el mas representativo de este movimiento por el uso de las figuras geometricas,etc. Aunque no es el movimiento que mas me gusta por el hecho que a simple vista no le encuentro el sentimiento pero Kandisky algo ve él en el juego de colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos falta desarrollar más la sensibilidad para la pintura. Su pintura y el arte abstracto en si entraña dificultades para ser entendida, para poder sentirla y emocionarnos, pero quizás si no conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo algo bello, algo internamente hermoso.
FUTURISMO y opinion personal
¿CUANDO?
El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
¿QUE?
El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
¿COMO?
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
¿QUIEN?
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece, Estados del alma: los que se van.
Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche.
Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.
Otros futuristas son Gino Severini: Entre sus obras destacan: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul, Giuseppe CominettiPronunciado /guiusepe comineti/: Amantes en el agua, Kasimir Malévich: El afilador de cuchillos, y Enrico Prampolini: Composición.
El manifiesto expone el carácter programático de los futuristas, quienes llevaron a cabo una apología de la modernidad y del progreso partiendo por ensalzar las bondades de la máquina, del movimiento y del dinamismo, reaccionando contra lo tradicional.
En sus obras se muestra el paso rápido y veloz del tiempo. Imágenes borrosas que se multiplican como una figura movida, repitiendo los elementos representados: muchas piernas, patas de animales, ruedas, etc.. COMO EN EL CASO DE LA OBRA ELEGIDA EL JINETE Y EL CABALLO POR CARRE (http://www.google.com.ar/imgres?um=1&hl=es&biw=1024&bih=403&tbm=isch&tbnid=yLwQiML9bZ92VM:&imgrefurl=http://decualquiermodocaeradepie.blogspot.com/2010/10/futurismo-como-tendencia-pictorica-iii.html&docid=frNnlnQEOO5UzM&imgurl=http://lh5.ggpht.com/_9Qd2iBeL5eM/TKpzhG6yLPI/AAAAAAAABAs/x--f7RywxDA/El%252520jinete%252520rojo_thumb%25255B1%25255D.jpg&w=403&h=295&ei=5HqUT9ugEoj-8AT54c2uBA&zoom=1&iact=rc&dur=375&sig=114679286546424124996&page=1&tbnh=165&tbnw=215&start=0&ndsp=14&ved=1t:429,r:14,s:0,i:63&tx=139&ty=65)
opinion personal: El futurismo junto al arte abstracto fueron los movimientos que me tocaron exponer y por esta razon los investigue mas a fondo, este hecho me llevo a entender mas esta manera de expresion y me resulto muy bueno e interesante la idea de reflejar en las obras una idea del futuro, la maquinaria, la velocidad, la fuerza, etc.
BIBLIOGRAFIA: https://www.google.com.ar/search?hl=es&q=GUERNICA&psj=1&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&wrapid=tlif133512947618710&um=1&biw=1024&bih=403&ie=UTF-8&sa=N&tab=iw&ei=hHWUT47hNYT48wSWzKH8Aw#hl=es&biw=1024&bih=403&sclient=psy-ab&q=FUTURISMO&oq=FUTURISMO&aq=f&aqi=g10&aql=&gs_nf=1&gs_l=serp.3..0l10.7406.10500.1.28140.10.9.0.0.0.1.937.2624.3-1j0j1j2.4.0.IxDkOpmUABY&psj=1&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&fp=f1def05598048b51
http://www.profesorenlinea.cl/artes/futurismo.htm
El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
¿QUE?
El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
¿COMO?
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente, italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
¿QUIEN?
Umberto Boccioni (1882-1916) que es, además, el teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan: Dinamismo de un ciclista, Dinamismo de una cabeza de hombre, Dinamismo de una cabeza de mujer, La ciudad que crece, Estados del alma: los que se van.
Carlo Carrá (1881-1966) quedará fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos. Entre sus obras destacan: Penélope, Ídolo hermafrodita,Lo que me dijo el tranvía.
Luigi Russolo (1885-1947) fue el que más se acercó a la abstracción. Entre sus obras destacan: Perfume, La música, Recuerdos de una noche.
Giacomo Balla (1871-1957) es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color. Los ritmos del arco, Dinamismo de un perro con correa, Niña corriendo en un balcón, Vuelo de golondrinas, Lámpara eléctrica.
Otros futuristas son Gino Severini: Entre sus obras destacan: Autorretrato, La bailarina obsesionante, Norte-Sur, Bailarina azul, Giuseppe CominettiPronunciado /guiusepe comineti/: Amantes en el agua, Kasimir Malévich: El afilador de cuchillos, y Enrico Prampolini: Composición.
El manifiesto expone el carácter programático de los futuristas, quienes llevaron a cabo una apología de la modernidad y del progreso partiendo por ensalzar las bondades de la máquina, del movimiento y del dinamismo, reaccionando contra lo tradicional.
En sus obras se muestra el paso rápido y veloz del tiempo. Imágenes borrosas que se multiplican como una figura movida, repitiendo los elementos representados: muchas piernas, patas de animales, ruedas, etc.. COMO EN EL CASO DE LA OBRA ELEGIDA EL JINETE Y EL CABALLO POR CARRE (http://www.google.com.ar/imgres?um=1&hl=es&biw=1024&bih=403&tbm=isch&tbnid=yLwQiML9bZ92VM:&imgrefurl=http://decualquiermodocaeradepie.blogspot.com/2010/10/futurismo-como-tendencia-pictorica-iii.html&docid=frNnlnQEOO5UzM&imgurl=http://lh5.ggpht.com/_9Qd2iBeL5eM/TKpzhG6yLPI/AAAAAAAABAs/x--f7RywxDA/El%252520jinete%252520rojo_thumb%25255B1%25255D.jpg&w=403&h=295&ei=5HqUT9ugEoj-8AT54c2uBA&zoom=1&iact=rc&dur=375&sig=114679286546424124996&page=1&tbnh=165&tbnw=215&start=0&ndsp=14&ved=1t:429,r:14,s:0,i:63&tx=139&ty=65)
opinion personal: El futurismo junto al arte abstracto fueron los movimientos que me tocaron exponer y por esta razon los investigue mas a fondo, este hecho me llevo a entender mas esta manera de expresion y me resulto muy bueno e interesante la idea de reflejar en las obras una idea del futuro, la maquinaria, la velocidad, la fuerza, etc.
BIBLIOGRAFIA: https://www.google.com.ar/search?hl=es&q=GUERNICA&psj=1&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&wrapid=tlif133512947618710&um=1&biw=1024&bih=403&ie=UTF-8&sa=N&tab=iw&ei=hHWUT47hNYT48wSWzKH8Aw#hl=es&biw=1024&bih=403&sclient=psy-ab&q=FUTURISMO&oq=FUTURISMO&aq=f&aqi=g10&aql=&gs_nf=1&gs_l=serp.3..0l10.7406.10500.1.28140.10.9.0.0.0.1.937.2624.3-1j0j1j2.4.0.IxDkOpmUABY&psj=1&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.r_qf.,cf.osb&fp=f1def05598048b51
http://www.profesorenlinea.cl/artes/futurismo.htm
CUBISMO y reflexion personal
¿CUANDO?
Surgió en Francia en 1907 hasta 1914. Fue un movimiento revolucionario ya que produjo una verdadera trasformación dentro de la pintura. Encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
¿QUE?
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.
¿COMO?
Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
¿QUIENES?
Además de Picasso y Braque, a los que se considera fundadores del cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914. Algunos de ellos se agruparon bajo la denominación de Section d'Or o Grupo de Puteaux: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, Fernand Léger y André Lhote. De este colectivo surgió, en 1912 el orfismo, cuyos máximos representantes son Robert Delaunay y František Kupka, quienes acabaron renunciando a la representación figurativa y centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica.
OBRA REPRESENTATIVA:
http://www.google.com.ar/imgres?um=1&hl=es&sa=N&biw=1024&bih=403&tbm=isch&tbnid=i1c1KW9CTsae-M:&imgrefurl=http://articuweb.wordpress.com/2010/03/07/paseo-en-3d-por-el-guernica-de-picasso/&docid=DXTkoSVcL8HiSM&imgurl=http://articuweb.files.wordpress.com/2010/03/guernica-de-picasso.jpg&w=1807&h=804&ei=hHWUT47hNYT48wSWzKH8Aw&zoom=1&iact=rc&dur=156&sig=114679286546424124996&page=1&tbnh=86&tbnw=193&start=0&ndsp=4&ved=1t:429,r:0,s:0,i:129&tx=86&ty=73
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
BIBLIOGRAFIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_(cuadro)
http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
Surgió en Francia en 1907 hasta 1914. Fue un movimiento revolucionario ya que produjo una verdadera trasformación dentro de la pintura. Encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
¿QUE?
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.
¿COMO?
Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahi en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.
¿QUIENES?
Además de Picasso y Braque, a los que se considera fundadores del cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914. Algunos de ellos se agruparon bajo la denominación de Section d'Or o Grupo de Puteaux: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, Fernand Léger y André Lhote. De este colectivo surgió, en 1912 el orfismo, cuyos máximos representantes son Robert Delaunay y František Kupka, quienes acabaron renunciando a la representación figurativa y centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica.
OBRA REPRESENTATIVA:
http://www.google.com.ar/imgres?um=1&hl=es&sa=N&biw=1024&bih=403&tbm=isch&tbnid=i1c1KW9CTsae-M:&imgrefurl=http://articuweb.wordpress.com/2010/03/07/paseo-en-3d-por-el-guernica-de-picasso/&docid=DXTkoSVcL8HiSM&imgurl=http://articuweb.files.wordpress.com/2010/03/guernica-de-picasso.jpg&w=1807&h=804&ei=hHWUT47hNYT48wSWzKH8Aw&zoom=1&iact=rc&dur=156&sig=114679286546424124996&page=1&tbnh=86&tbnw=193&start=0&ndsp=4&ved=1t:429,r:0,s:0,i:129&tx=86&ty=73
Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.
Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.
No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. (Pablo Picasso)reflexion personal: el cubismo es creo yo el movimiento mas exaltante y diferente a los demas. Tiene una caracteristica de en las obras distorcionar la figura humana o las formas reales en diferentes planos, tales como realizaban miles de años atras los egipcios, y tambien a esto la utilizacion de los colores de manera poco realista. Es muy atractivo , por sobre todo las obras de Picasso.
BIBLIOGRAFIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_(cuadro)
http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
FAUVISMO y reflexion personal
¿QUE?
El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
¿CUANDO?
El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
¿CUANDO?
El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos.
¿CÓMO?
El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.
El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante. Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
¿QUIENES?
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
Autorretrato por Isaac Grünewald, discípulo de Henri Matisse, 1915.
André Derain, El puente de Westminster, 1906
Matisse estuvo muy influido desde sus inicios por Cézanne del que consevaba un cuadro de las grandes bañistas está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 130 cm por 195 cm , y desde su adquisición en 1964 gracias a una ayuda especial de la Max Rayne Foundation, se encuentra en la National Gallery, Londres, Reino Unido. Allí se exhibe con el nombre de Bathers (Les Grandes Baigneuses). que también se expone en esta muestra. Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Las versiones posteriores del mismo tema son de mayor tamaño y en ellos exalta la forma geómetrica y el color: estas Grandes bañistas de la National Gallery, Los bañistas de la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvania), y Las grandes bañistas de Filadelfia.
BIBLIOGRAFIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Las_grandes_ba%C3%B1istas_(C%C3%A9zanne,_Londres)
REFLEXION PERSONAL SOBRE EL FAUVISMO:
Me gusta mucho este movimiento ya que consigue un buen uso de los colores primarios, los colores "salvajes", y la pincelada furiosa . Me atrapa el hecho de tener énfasis en la expresión y no en la composición, empleando colores brillantes y antinaturales.
André Derain, El puente de Westminster, 1906
Matisse estuvo muy influido desde sus inicios por Cézanne del que consevaba un cuadro de las grandes bañistas está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 130 cm por 195 cm , y desde su adquisición en 1964 gracias a una ayuda especial de la Max Rayne Foundation, se encuentra en la National Gallery, Londres, Reino Unido. Allí se exhibe con el nombre de Bathers (Les Grandes Baigneuses). que también se expone en esta muestra. Cézanne pintó reiteradamente bañistas, renovando el tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Las versiones posteriores del mismo tema son de mayor tamaño y en ellos exalta la forma geómetrica y el color: estas Grandes bañistas de la National Gallery, Los bañistas de la Barnes Foundation (Merion, Pennsylvania), y Las grandes bañistas de Filadelfia.
BIBLIOGRAFIA: http://es.wikipedia.org/wiki/Las_grandes_ba%C3%B1istas_(C%C3%A9zanne,_Londres)
REFLEXION PERSONAL SOBRE EL FAUVISMO:
Me gusta mucho este movimiento ya que consigue un buen uso de los colores primarios, los colores "salvajes", y la pincelada furiosa . Me atrapa el hecho de tener énfasis en la expresión y no en la composición, empleando colores brillantes y antinaturales.
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